Что такое бытовые танцы
Доклад по хореографии на тему «Историко-бытовой танец. Виды и понятия» (3 год обучения)
Онлайн-конференция
«Современная профориентация педагогов
и родителей, перспективы рынка труда
и особенности личности подростка»
Свидетельство и скидка на обучение каждому участнику
МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ
«ЗЛЫНКОВСКАЯ ДЕТСКАЯ ШКОЛА ИСКУССТВ»
« Историко-бытовой танец. Виды и понятия »
Лангольф Римма Рафиковна
Виды историко-бытовых танцев
Историко-бытовыми считаются танцы прошлых веков, которые получили широкое распространение далеко за пределами своей эпохи и места возникновения.
Историческими они названы как танцы прошлого времени, а также как танцы, вошедшие в историю.
Возникновение танцев связано с трудовыми процессами, играми, старинными обрядами, религиозными праздниками. В каждой местности они имели свои особенности. Бытовые танцы, ставшие историческими, представляют собой переработку народного танцевального материала и отражают особенности определенной эпохи или среды. Характерные черты культуры проявляются в построении и стиле танца, в его музыке, одежде танцующих, их манерах.
Виды историко-бытовых танцев
Бас-данс (фр. basse danse — «низкий танец») — собирательное название беспрыжковых придворных танцев в умеренном или умеренно-медленном темпе, которые часто назывались «прогулочными танцами». Эти танцы были широко распространены во Франции, в Италии, Нидерландах между 2-й половиной 14 и серединой 16 века. Композиционный рисунок строился в виде хоровода, цепи, шествия. Бас-дансы составляли как бы небольшую хореографическую композицию, в которой танцующие показывали себя собравшемуся обществу и демонстрировали свое богатство, пышность нарядов и благородство манер. Это был церемониальный танец, связанный больше с прохаживанием, чем с танцем как таковым.
Мореска (мориска) (итал. moresca, исп. morisca – мавританская пляска (от лат. Mauritania — древнеримское название области в Северо-Западной Африке, греч. Mauros — «темный») — остается в эпоху Возрождения одним из самых популярных танцев, становясь принадлежностью различных городских театрализованных зрелищ и спектаклей зарождающегося музыкального театра. В период между 1550 и 1650 мориско был непременным атрибутом любого значительного придворного празднества. Там она утрачивает свои исконные приметы народной игры, (сохранив, однако, маску мавра), и постепенно превращается в фигурный танец торжественного, часто воинственного характера. Мореску танцуют на балу и в деревне, профессиональные танцовщики и представители высших слоев общества.
Во времена средневековья мореска была пантомимическим танцем, воспроизводящим битву между христианами и маврами. Исполнители роли мавра носили гротескные костюмы с колокольчиками у щиколоток и выкрашивали лица в черный цвет, а в музыке преобладали пунктирные ритмы и экзотические тембры.
Тарантелла (от названия г. Таранто на юге Италии) — итальянский народный танец, живой и страстный по характеру, исполняемый в размере 6/8. С историей тарантеллы связано много легенд. В 15-16 веках этот танец считался единственным средством излечения «тарантизма» — безумия, вызываемого, как полагали, укусом тарантула (ядовитого паука). В связи с этим в XVI веке по Италии странствовали специальные оркестры, под игру которого танцевали больные тарантизмом. Музыка многократно повторялась и оказывала завораживающее, «гипнотическое» действие на слушателей и танцующих. Хореография тарантеллы отличалась экстатичностью — самозабвенный танец мог продолжаться несколько часов. Весь танец построен на мелких прыжках и подскоках. Со временем тарантелла стала обычным танцем (одиночным или парным), хотя и сохранила свой неистовый характер.
Бранль (фр. branle – качание, хоровод) — первоначально народный хороводный, позднее также бальный, придворный танец 15-17 веков. Характерными движениями является покачивание корпуса. Темп танца — умеренно быстрый, оживленный. Народный бранль — энергичен, порывист, чеканен, бальный — более плавен и спокоен, с большим количеством реверансов. Известны его многочисленные разновидности, отличающиеся друг от друга по размеру, темпу, хореографии (простой Бранль, двойной, Бранль прачек, башмака, с факелом, с поцелуями и др.) и местные варианты (Бранль из Пуату, из Шампани). В XVI веке бранль — самостоятельный танец, получивший распространение также в Англии (броул), Италии (брандо), Испании (бран) и др. странах.
Бранль явился первоисточником всех появившихся позднее салонных танцев и сыграл большую роль в развитии бальной хореографии, не смотря на то, что по хореографии был еще довольно примитивным.
Фарандола — французский провансальский народный танец в быстром темпе, в размере 6/8, известный с 15 века. Танцующие держат друг друга за руки, образуя цепочку, и, следуя за ведущим, движуфтся по улицам, исполняя самые разнообразные движения. Термин «Фарандола» производят от испанского farandula — названия группы бродячих исполнителей, очевидно, потому, что перед танцующими обычно шли музыканты с тамбурином и флейтой. Вторая версия происхождения названия танца от греческого слова, буквально означающего — фаланга-невольник, что скорее всего связано с хореографией фарандолы: многочисленные участники танца брали друг за друга за руки (ленты, платки) и образовывали длинную цепочку, движения которой направлял ведущий с флажком или платком в руке (для сигнализации при смене танцевальных фигур). Его рисунок был неодинаков в различных местностях и зависел от индивидуальности ведущего.
Ригодон (франц. rigaudon, rigodon) — французский народный и придворный танец 17 — 18 веков. Темп оживленный, размер 2-дольный (2/4). Включает не менее 2-х повторяющихся разделов, каждый из которых состоит из нескольких фраз объемом в 4 такта, обычно с затактом.
Название «Ригодон», согласно мнению Ж. Ж. Руссо, происходит от имени его предполагаемого создателя Риго (Rigaud). Но большинство исследователей подвергают эту версию сомнению. К. Закс считает, что в основе названия — итальянские слова rigodone, rigalone, что значит — хороводный танец. Существуют мнения, что название «ригодон» происходит от старонемецкого слова riegen или французского rigoler — танцевать.
Как и подавляющее большинство старинных танцев, ригодон произошел от бранля, популярного на юге Франции. В танце получила выражение свойственная южанам подвижность, быстрота и темперамент. Основные движения — легкие подпрыгивания на одной ноге с выносом свободной ноги вперед, вращение под руку с девушкой и т. д. Композиционный рисунок танца в различных местностях имел свои особенности: в Провансе — круг (хоровод), в Бургундии — линии. Сопровождался игрой на скрипке, пением танцующих, часто исполнители отбивали такт деревянными башмаками.
Как придворный танец приобрел известность с конца 17 века, став более размеренным и торжественным. Тогда же вошел в качестве одной из частей в инструментальную танцевальную сюиту французских, немецких, английских композиторов.
В XVIII веке ригодон оставался наиболее демократичным из всех популярных салонных танцев. Танцмейстеры охотно включали его в «бальное меню», чтобы освежить несколько наскучивший ряд церемониальных танцев.
Полонез (польск. polonez, фр. polonaise, от фр. polonais — польский) — торжественный танец-шествие в умеренном темпе, имеющий польское происхождение. Исполнялся как правило в начале балов, подчёркивая торжественный, возвышенный характер праздника. В полонезе танцующие пары двигаются по установленным правилами геометрическим фигурам. Музыкальный размер танца — ¾.
Возникший в Польше около XV века сперва полонез был исключительно свадебным танцем. Затем, несколько видоизменившись, он сделался непременным атрибутом любых народных торжеств. Именно величественный полонез открывал танцы на любом народном празднике.
Часто размеренный и плавный полонез перемежался другими народными танцами, такими как мазурка или оберек: веселящаяся молодёжь, сделав несколько фигур полонеза, без ведома музыкантов ускоряла темп и переходила к более быстрым танцам. Оркестр в таких случаях следовал за танцующими. Затем, устав от быстрых и сложных движений мазурки или оберека, молодежь также внезапно вновь переходила на полонез. В результате часто полонез не только начинал, но и заканчивал танцы, как бы обрамляя их.
Во всех областях Польши народный полонез танцевали с припевками. Спевший самый красивый куплет получал право вести танец. Его, в свою очередь, мог сменить через несколько фигур новый победитель.
Полонез был одним из самых любимых поляками народных танцев. Его сравнительно незатейливую хореографию крестьяне старательно украшали дополнительными деталями. Например, в XVI—XVII веках девушки танцевали в венках. Идя одна за другой, девушки тайком поглядывая на юношей, следовавших за ними. Затем девушки снимали венки и дарили их юношам, которые им нравились и своим возлюбленным, и только после этого составляли пары танца. Юношей и девушек сменяли семейные пары. Молодым людям в таких случаях не разрешалось танцевать с замужними женщинами или вдовами.
Променад (фр. promenade). Пары движутся основным шагом по кругу против часовой стрелки вслед за ведущей парой.
Поперечина, траверсе (фр. la traverse). Пары выстроены в две колонны параллельно друг другу по двум сторонам круга. Колонны идут навстречу друг другу по кругу. Когда пары встречаются, то кавалеры «левой линии» пропускают между собой и своими дамами дам другой «линии», а кавалеры «правой линии» пропускают между собой и своими дамами дам « левой линии». Получается своеобразная «расчёска» или «решётка». В конце фигуры пары соединяются, продолжая идти по кругу.
Фонтан (фр. la fontaine). Пары выстроены в колонну в начале зала. Кавалер первой пары поворачивается налево и идёт по полукругу в конец зала. Дама первой пары идёт направо по полукругу в конец зала. Остальные пары доходят до места, где разошлась первая пара и только после этого расходятся — в том же порядке, что и первая пара.
Веер (фр. éventail). Обычно эта фигура выполняется после «фонтана». Кавалеры идут по полукругу в конец зала слева (если смотреть в начало зала), их дамы идут параллельно им по полукругу справа (партнеры идут не вместе). Когда кавалер встречает свою даму, он предлагает ей руку, и пары расходятся следующим образом: нечётные пары идут в правый угол начала зала, а чётные — в левый угол начала зала. Дойдя до соответствующего угла зала, пары поворачивают и возвращаются в конец зала по своему полукругу.
Менуэ́т (фр. menuet, от menu — маленький) — старинный народный французский грациозный танец, названный так вследствие своих мелких па. Произошёл от медленного народного хороводного танца провинции Пуату. Пишется в двухколенном складе, в трёхдольном размере (3/4). С середины XVII века — бальный. С XVII века широко распространился по всей Европе.
В старинных менуэтах первый менуэт писался двухголосно, а второй — трёхголосно. За вторым менуэтом всегда идёт повторение первого. Нередко в конце менуэта делается небольшая кода. Хотя танцующие исполняют менуэт плавно и довольно медленно, но музыка менуэта должна исполняться умеренно скоро. Музыка первых «композиторских» менуэтов принадлежит Жану Батисту Люлли. При Людовике XIV менуэт был излюбленным придворным танцем.
Из Франции вместе с модой на всё французское менуэт постепенно перешёл в другие страны; в России появился в царствование Петра Великого и исполнялся на балах вплоть до 30-х годов века XIX.
В XVII и XVIII веке чистая музыкальная форма менуэта была довольно широко представлена в клавесинной, клавирной и камерной музыке (Франсуа Куперена («Великого»), Жана Филиппа Рамо, Андре Кампра и других композиторов эпохи Рококо). В качестве «обязательной» части менуэт входил в инструментальную сюиту (Бах, Гендель), иногда – даже в оперную увертюру в качестве завершающего раздела (только у Генделя), а затем на некоторое время «закрепился» в сонатно-симфоническом цикле (обычно занимал третью часть в четырёхчастном цикле). В сюите довольно часто за первым менуэтом следовал второй, в той же тональности или в тональности квинтой ниже главной (но не квинтой выше). Если первый менуэт в мажоре, то второй нередко пишется в одноимённом миноре. Второй менуэт чаще всего назывался трио.
Гавот (фр. gavotte, от прованс. gavoto, букв.— танец гавотов, жителей области Овернь во Франции) — старинный французский народный танец. Отличительные черты — умеренный темп движения, четный размер 4/4 или 2/2, начало с затакта в две доли, фразы объемом в 4 такта и четкая ритмическая пульсация. Длительности менее «восьмой» в гавоте обычно не встречаются. Форма — нередко трехчастная; 2-я часть более простого строения, иногда ее образует мюзет пасторального характера (часто основана на характерном волыночном басу). Музыка гавота светлая, изящная, порой с наивно-пасторальным, иногда и с торжественным оттенком.
Гавот известен с XVI века. Вначале был хороводным танцем, являющимся, по сути, видоизмененным бранлем. Исполняли его легко, грациозно, под народные песни и волынку. В XVI веке не получил широкого распространения и вскоре был забыт. Однако на рубеже XVII— XVIII веков возрождается и быстро становится популярным.
Став придворным танцем Франции, гавот существенно изменил первоначальный характер. Теперь это галантный, жеманный и манерный танец — стиль рококо в хореографии. Усложняется и сам танцевальный язык: легкие скользящие движения сочетались с изысканными реверансами, изящными вычурными позами, движений рук отличались большой танцевальностью. Современники отмечали, что гавот походит на маленький балетный спектакль для двух исполнителей. Все это способствовало распространению его и в других европейских странах.
В XVIII веке гавот входит в инструментальные сочинения крупной формы, становится постоянной составной частью танцевальной инструментальной сюиты, где обычно следует за сарабандой, изредка предваряет ее (сюиты Баха, Генделя и др.). Широко представлен он в балетах и операх Люлли, Рамо, Глюка.
Как придворный бальный танец вышел из употребления около 1830 года, но сохранился в провинции и деревнях (особенно в Бретани). В музыке XIX—XX веков высокохудожественные образцы жанра создавали Григ, Чайковский, Глазунов, Прокофьев.
Вольта (ит. volta, от voltare — поворачивать; фр. volte) — старинный парный танец провансальского или итальянского происхождения в быстром и умеренно быстром темпе. Изначально народный, а позднее стала исполняться на придворных празднествах. Во второй половине 16 — первой половине 17 веков приобрел большую популярность в европейских странах, особенно во Франции и в Англии. Обычно танец исполняется одной парой, но число танцующих могло быть и больше. Начинался танец с поклона кавалера и реверанса дамы. Характерное движение вольты был подъем дамы в воздух. Кавалер проворно и резко поворачивал в воздухе свою партнершу, что требовало от партнера большой силы и ловкости, ведь подъем должен выполняться достаточно высоко, четко и красиво.
Как бытовой и придворный танец аллеманда появилась в Англии, Франции и Нидерландах в середине XVI века, и к концу того же столетия исчезла. Но уже во второй половине XVIII века появляется под тем же самым названием, но в более живом характере и в размере 3/4.
Куранта (франц. courante, итал. corrente — бегущая, текущая). Старинный придворный танец рубежа 16-17 веков, итальянского происхождения, исполняемый в оживленном темпе. Композиционный рисунок танца обычно шел по овалу, но это мог быть и удлиненный квадрат, и восьмиугольник. Куранта состояла из скользящих шагов, pas demi coupé, pas de bourrée, pas assemblé без прыжка, с подъемом на полупальцы или па гальярды. Различали простую и сложную куранту. Первая состояла из простых, глиссирующих шагов, исполнявшихся преимущественно вперед. Сложная куранта носила пантомимический характер: трое кавалеров приглашали трех дам для участия в танце. Дам отводили в противоположный угол зала и просили танцевать. Дамы отказывались. Кавалеры, получив отказ, уходили, но затем возвращались снова и становились перед дамами на колени. Только после пантомимной сцены начинался танец. В сложной куранте движения исполнялись вперед, назад и в сторону. В середине XVI века пантомимная часть танца отпадает.
Сарабанда (исп. zarabanda) — старинный испанский танец, известный с 16 века, испанского происхождения. Поначалу это был народный танец, исполнялся только женщинами в живом, озорном, темпераментном характере. Аккомпанементом служили кастаньеты, гитара и песни танцовщиц, которые считались неприличными. У себя на родине сарабанда попала в разряд непристойных танцев и в 1630 году была запрещена. Но, несмотря на запрет, сарабанда постепенно становится одним из популярных придворных танцев в Испании и приобретает торжественный, величавый характер. За пределы Испании попадает во 2-й четверти 17 века. Здесь она становится парным танцем с более спокойным ритмом. В придворных кругах сарабанду обычно танцевали медленно и важно.
Известный балетмейстер и педагог Карло Блазис в одном из своих трудов дает краткое описание сарабанды: «В этом танце каждый выбирает себе даму, к которой он неравнодушен. Музыка дает сигнал, и двое влюбленных исполняют танец, благородный, мерный, впрочем, важность этого танца нисколько не мешает удовольствию, а скромность придает ему еще больше грациозности; взоры всех с удовольствием следят за танцующими, которые исполняют различные фигуры, выражают своим движением все фазисы любви».
Жига (англ. jig, итал. giga, фр. gigue) – быстрый старинный английский народный танец кельтского происхождения, распространенный в 16 в. Исполнялся под аккомпанемент старинной скрипки, которую за необычайно выпуклую форму прозвали «жига» — окорок. Первоначально жига была парным танцем. Среди моряков распространилась в качестве сольного, очень быстрого шутливого танца. В 17-18 веке стала популярным салонным танцем во многих странах Западной Европы.
1. Красовская В. Русский балетный театр начала XX века. – М.: Просвещение, 1985. – 454 с.
2. Лотман Ю.М. Беседы о русской культуре: Быт и традиции русского дворянства (XVIII – XIX вв.). – 2-е изд., доп. – СПб.: Искусство-СПб, 1999. – 412 с.
3. Комиссаржевский Ф.Ф. История костюма. – Минск: Современная литература, 2000. – 494 с.
4. Пасютинская В.М. Волшебный мир танца. – М.: Искусство, 1985. – 80 с.
5. Есаулов И. Хореодраматургия. Искусство балетмейстера. – Ижевск: Изд-ий дом «Удмурдский университет», 2000. –320 с.
Историко-бытовой танец в контексте видов хореографического искусства
Тема: Историко-бытовой танец в контексте видов хореографического искусства
1 Разнообразие видов хореографического искусства
Классический танец;
Народно – сценический танец;
Бальный танец;
Модерн (современный танец);
Джазовый танец.
Вопрос 1 Разнообразие видов хореографического искусства
Классический танец — это хореографическая система, которая формируется в ходе развития искусства и общества. Это вершина хореографического искусства.
Классический танец формировался путём долгого и тщательного отбора, отшлифовки многообразных выразительных движений и положений человеческого тела. Он вбирал в себя достижения различных танцевальных культур, перерабатывал движения разнообразных, начиная с глубокой древности, народных плясок, пантомимных действий – искусства жонглёров и мимов, движения трудовых и бытовых танцев.
На формирование системы классического танца огромное влияние оказало античное искусство, красота и пластическая гармония образов античной хореографии, запечатлённых в скульптуре и древней живописи Греции и Рима. Название «классический» и показывает, что эта система восходит к танцу античному, а также что она обладает классическим совершенством. Этот термин возник в России в конце ХIХ в., в результате обособления отдельных видов танца, разделения танцовщиков на «классических» и «характерных». Постепенно термин вошёл в обиход, вытеснив существующие ранее термины – «академический», «серьёзный», «благородный» и другие.
— это прежде всего основа исходных положений и поз в классическом танце. Система классического танца разработала чётко ограниченное число групп движений, включающих в себя понятие о сгибаниях, приседаниях (plier – сгибать); о подъёмах (relever –поднимать); о вытягиваниях (tender – вытягивать); о скольжениях (glisser – скользить); о вращениях (tourner – поворачивать, вертеть); о прыжках (sauter – прыгать); о бросках, устремлённых вперёд (elancer– бросать) и др.
Также в системе классического танца разработаны позиции ног, их шесть, и утвердились три позиции рук, строго разработаны положения корпуса и головы.
Необходимо отметить, что классический танец, как система оформилась в XVI веке в Италии, дальнейшее развитие получила во Франции в XVII веке, здесь и появилась терминология на французском языке. Повсеместно он признан одним из главных выразительных средств танца.
В России преобладает школа профессора А. Я. Вагановой. Об Агриппине Яковлевне Вагановой очень ёмко сказала великая Майя Плисецкая: «Ваганова – царица балетной педагогики. Я редко жалею о чём-нибудь, но всю жизнь буду жалеть, что училась у Вагановой так мало – всего три месяца. Её уроки давали удивительное сочетание академической, идеальной «грамотности» и в то же время полной раскрепощённости, сознание своей власти над собственным телом. Не случайно все ученицы Вагановой так владеют классикой»
Народно-сценический ТАНЕЦ — одна из основ любой хореографии. К основным его компонентам относятся музыкально-ритмическая основа, лексика танца (движения, жесты и позы, их пластическое соединение, рисунки танца), костюмы. Находясь в теснейшем единстве, они являются выразительными средствами танца, раскрывающими своеобразие содержания, передающими особенности стиля и манеры, создавая неповторимость колорита народной хореографии.
Это один из наиболее распространённых видов танцевального искусства. Народный танец тесно связан с музыкой, песней, особенностями национального костюма. Эти факторы в совокупности с историко-географическими и социально-бытовыми признаками создают характерные черты хореографии разных народов.
У каждого народа сложились свои танцевальные традиции, свой пластический язык, особая координация движений, приемы соотношения движения и музыки. Например, у народов Азии основными выразительными средствами становятся движения рук, головы и корпуса. Если переместиться в Европу, то здесь мы увидим, что корпус и руки в основном звучат как аккомпанемент, а главным в танце являются ноги. Некоторые танцы исполняются с бытовыми предметами, как-то: шляпа, шаль, пиала, поднос, серп и т. д.
Народный танец призван научить человека познавать единство ценностей и понимать, что форма их выражения может различаться в зависимости от менталитета того или иного народа.
Наиболее характерными элементами народной хореографии являются проходки, позы и характерные положения, элементы своеобразной национальной виртуозности (присядки, хлопушки, вращения, прыжки и др.), танцевальные шаги.
Характерно-академический танец – вид сценического танца, в основе которого — система академического танца с привлечением элементов народно-сценического танца, одно из выразительных средств балетного театра.
В первоначальном значении, относящемся к XVII –XVIII векам, характерным назывался танец, обладающий характеристическими чертами, элементами жанрового, бытового образа. Использовался преимущественно в интермедиях, в которых действующими лицами были крестьяне и ремесленники, разбойники и матросы.
Танцы были построены на движениях, характеризующих данный персонаж. Позднее, в XIX веке, характерным стали называть сценические обработки народных танцев, вводившиеся в балетный спектакль. Этот процесс достиг расцвета в пору романтического балета, в 30-50-х годах XIX века, когда большое внимание уделялось национальному колориту.
Постепенно вырабатывалась академическая форма отдельных национальных танцев. В отличие от народного танца, в его основе лежат приёмы профессиональной классической танцевальной системы. К началу ХХ века понимание этого термина сложилось окончательно и определилось, как национальный танец, подвергшийся обработке согласно требованиям сцены или танец, несущий в себе «характеристическое начало».
Это русский академический танец, русский танец Чайковского, венгерский академический, испанский, вставные номера балета и др.
Бальный танец — является преемником историко-бытового. Искусство бальной хореографии занимает значительное место в эстетическом воспитании населения и организации его содержательного досуга.
Слово «бал» пришло в русский язык из французского и происходит от латинского глагола ballare, который означает «танцевать».
Бальные танцы XX века сложились на основе европейского танца, в который на рубеже XIX—XX веков вдохнула новую жизнь африканская и латиноамериканская музыкальная и танцевальная культура. Подавляющее большинство современных бальных танцев имеют африканские «корни», уже хорошо замаскированные технической обработкой европейской танцевальной школы.
В1920-е годы в Англии при Императорском обществе учителей танцев возник специальный Совет по бальным танцам. Английские специалисты стандартизировали все известные к тому времени танцы — вальс, быстрый и медленный фокстроты, танго. Так возникли конкурсные танцы, и с тех пор бальный танец подразделился на два направления — спортивный (International Ballroom (or Standard) and International Latin) и социальный (social dance).
Спортивно-бальный танец — невероятно красивое искусство, которое пользуется огромной популярностью в современном мире. Сегодняшний бальный танец отражает особенности танцевальной культуры, быта и этикета прошлого и нынешнего века.
Появление конкурсов на исполнение бальных танцев внесло свои стилистические коррективы. Лидирует здесь английская школа. Существуют два направления, как-то: европейская (стандарт) и латиноамериканская программы. В каждой группе есть по 5 танцев. Европейская программа — это медленный вальс, медленный фокстрот, танго, венский вальс и квикстеп (быстрый фокстрот). В свое время именно эти танцы служили способом массового развлечения, но с появлением более быстрых, энергичных видов популярность классических разновидностей начала резко падать. Но сегодня европейские бальные танцы получили второе дыхание. Занятия ими помогут улучшить осанку и сделать движения более грациозными. Кроме того, за последние несколько лет классические разновидности танцев были несколько модернизированы.
Модерн (современный танец) –
Появление танца модерн – это попытка создать новую хореографию, которая отвечала бы духовным потребностям человека XX века.
Предшественником танца модерн в танцевальном искусстве стало исполнительское творчество Айседоры Дункан. Средствами свободных, не подчинённых правилам движений босоногая танцовщица в лёгкой, прозрачной, развевающейся тунике стремилась выразить на сцене свои настроения и чувства, подсказанные музыкой композиторов – классиков.
Реформатор русского балета Михаил Фокин писал: «Танцы Дункан привели меня в восторг, так как я нашёл в них элементы того, что сам проповедовал…выразительность, простоту, естественность».
Вслед за неистовой Айседорой появились и другие поборники «свободного танца». В 20-е годы ХХ века и в Европе, и в Америке это направление развивалось под разными названиями: «новый художественный танец», «экспрессионистский танец», «современный выразительный танец», «ритмопластический танец».
Основные принципы танца модерн:
‑ оригинальность танцевальнопластических средств, как, то: гимнастическе упражнения, игры, небалетная пантомима;
— особые движения корпуса: пульсирующий торс, выталкивающие движения бёдер и др.;
— изломанность линий и криволинейность рисунка.
— воплощение новых тем и сюжетов, как, то: отчаяние, страх, страдание и т. д.
Модерн – это свобода в поиске новых движений. Это танец, заключающий в себе большое количество стилей, он экспериментирует, ищет всевозможные способы выражения.
Джаз-танцу чужды психологические идеи и глубинная философия, например, танца модерн, или романтичная возвышенность классического танца. Джазовый танец, прежде всего, олицетворяет эмоции, силу и энергию, что так не похоже на другие стили.
Характерные черты джаз-танца следующие:
• эмоциональный характер исполнения движений;
• импровизационный характер движений;
• мелкие, вибрирующие движения различных частей тела;
• приёмы «напряжения» и «расслабления», изоляционные приёмы,
• характерные отбивания ритма, производимые с помощью хлопков, щелчков, притопов, ударов по бёдрам, ящикам;
• большая значимость области таза, которая придаёт движениям чувственность
• доминирующий социальный характер танцев.
На современном этапе развития исполнительской техники джазовый танец
Объединяет в себе многочисленные стили, соответствующие направлениям современной музыки. Из фольклорных традиций исполнители и постановщики берут чаще всего восточные темы, афро-кубинские, испанские национальные музыкальные темы. Из классического танца джаз перенял французскую терминологию, некоторые базовые движения, позиции рук и ног. Из модерна взял огромную свободу раскрепощения, расслабления торса и включения его в очень активную работу. У степа была заимствована подчёркнутая ритмизация движений. Также джаз включает в себя социальные уличные направления: «хип-хоп», «брейк-данс», «хаус», «диско», «электрик-буги», «стрит» и другие.
Сценическим искусством джазовый танец стал только в начале ХХ века. Впервые слово «джаз-танец» появилось в 1917 году, два года спустя после возникновения термина джаз-музыка. Выделяют следующие разновидности:
Джаз-танцу чужды психологические идеи и глубинная философия, например, танца модерн, или романтичная возвышенность классического танца. Джазовый танец, прежде всего, олицетворяет эмоции, силу и энергию, что так не похоже на другие стили.
Характерные черты джаз-танца следующие:
• эмоциональный характер исполнения движений;
• импровизационный характер движений;
• мелкие, вибрирующие движения различных частей тела;
• приёмы «напряжения» и «расслабления», изоляционные приёмы,
• характерные отбивания ритма, производимые с помощью хлопков, щелчков, притопов, ударов по бёдрам, ящикам;
• большая значимость области таза, которая придаёт движениям чувственность и страстность;
• доминирующий социальный характер танцев.
На современном этапе развития исполнительской техники джазовый танец объединяет в себе многочисленные стили, соответствующие направлениям современной музыки. Из фольклорных традиций исполнители и постановщики берут чаще всего восточные темы, афро-кубинские, испанские национальные музыкальные темы. Из классического танца джаз перенял французскую терминологию, некоторые базовые движения, позиции рук и ног. Из модерна взял огромную свободу раскрепощения, расслабления торса и включения его в очень активную работу. У степа была заимствована подчёркнутая ритмизация движений. Также джаз включает в себя социальные уличные направления: «хип-хоп», «брейк-данс», «хаус», «диско», «электрик-буги», «стрит» и другие.
Отражая танцевальные стили различных исторических эпох, он сохраняет в современном искусстве картины и образцы танцевальной культуры прошлого.
Первые бальные или светские танцы возникают в ХII веке, в эпоху средневекового Ренессанса – расцвета рыцарской культуры.
До наших дней сохранились лишь названия этих танцев. Большую роль в развитии бальной хореографии сыграл танец бранль. Это танец хороводного типа. Возник он во Франции, и каждая провинция исполняла его по-разному. Танцы с притопами и покачиваниями назывались простыми бранлями, танцы, изображающие трудовые процессы (бранль конюхов, бочаров, башмачников и др.) – подражательными, бранли с прыжками и подскоками – весёлыми.
Таким образом, история происхождения и развития историко – бытового танца, позволяет отметить, что в танцевальной культуре бытовой хореографии одновременно господствовали два направления. Это танцы аристократического, в дальнейшем буржуазного общества и бытовые танцы простого трудового народа.
Историко-бытовой танец включил в себя наиболее характерные художественные образцы бытовой хореографии, исполнявшиеся в различных слоях общества. Имея в первооснове народную (крестьянскую) хореографию, историко-бытовой танец оказал значительное влияние на развитие профессионального балетного искусства. Технология историко-бытового танца способствовала канонизации многих элементов хореографии, ныне составляющих «лексику» классического танца. Этот танец видоизменялся под влиянием придворных вкусов, моды и придворного этикета.
Историко-бытовой танец – это категория, объединяющая танцы, популярные в сельском, городском, придворном быту, начиная с эпохи Средневековья до начала XX века, то есть от времени возникновения описания танцев до времени появления кинохроники.
1. Бытовые танцы средних веков;
3. Танцевальная культура 17в.;
4. Танцевальная культура 18в.;
5. Танцевальная культура 19в.
Анасева, В. К. История танца. Моонография / В. К.Анасева – СПб. : Реверс+, 2017. – 227 с.
Барышникова, Т. К. Азбука хореографии / Т. К. Барышникова. – СПб. : Респекс Люкси, 1996. – 256 с.
Захаров, Р. В. Жизнь в танце / Р. В. Захаров. – М. : Искусство, 1982. – 239 с.
Кох, И. Э. Основы сценического движения / И. Э. Кох. – М. : Просвещение, 1976. – 222 с.